Абрамцево-кудринская резьба значительно моложе других народных промыслов. Она зародилась в конце XIX — начале ХХ века в Абрамцево — имении мецената Саввы Мамонтова. Столярно-резчицкую мастерскую, где обучали тонкостям кудринки, основали художник Василий Поленов и его сестра Елена. 

В 1882 году в Абрамцево гостили Илья Репин и Василий Поленов. Во время прогулки они нашли резную подкарнизную доску с затейливым растительным орнаментом. В том же году художники открыли в усадьбе столярно-резчицкую мастерскую, которой руководила сестра Поленова — Елена. Для обучения набирали крестьянских детей из окрестных сел — Хотьково, Репихово, Ахтырки, Кудрино.

Есть две версии, почему новый вид резьбы получил такое название: от села Кудрино, из которого были родом многие резчики абрамцевской мастерской, и от «кудрявого» узора, который стал его главной особенностью. Плавные, закругленные орнаменты напоминали ветви растений, птичьи перья или завитки. Часто среди растительных элементов мастера изображали птиц или животных, но их силуэты были подчеркнуто условными, с минимальным количеством деталей.

Кудринкой украшали предметы обихода — шкатулки, бочонки, деревянные ковши, даже шкафы и сундуки. Чтобы сделать узор более выразительным, мастера ошкуривали готовое изделие, пользовались морилками или красителями. Однако все эти способы должны были подчеркивать природную текстуру древесины, а не скрывать ее.

Один из самых известных выпускников абрамцевской мастерской был крестьянин Василий Ворносков. Он создавал резные шкафы и полочки, шкатулки и рамы для картин. Но лучшими его работами считались украшенные кудринскими узорами ковши, вазы и блюда. Ворносков участвовал в выставках декоративно-прикладного искусства за границей — в Милане, Париже, Чикаго. Его работы занимали призовые места на международных конкурсах. В России мастер стал первым крестьянином, чьи работы были представлены на персональной выставке. Она прошла в 1908 году в Московском кустарном музее. Главным экспонатом был четырехметровый деревянный ковш, целиком покрытый резьбой. Одна из самых известных работ Василия Ворноскова — оформление входа на Выставку народного искусства в Третьяковской галерее. Мастер выполнил ее в 1936 году. Эскизы входной группы создавал его сын — тоже Василий. Это единственное произведение монументального искусства, выполненное в технике абрамцево-кудринской резьбы.

Традиции кудринки сохранили на Хотьковской фабрике резных художественных изделий. Она появилась в середине ХХ века, когда разрозненные артели мастеров-резчиков объединились в одно производство. На фабрике изготавливают резные декоративные изделия из кости, рога, твердых пород дерева. С 1982 года в городе работает отдел художественных ремесел музея-заповедника «Абрамцево». Его экспозиция связана с историей абрамцево-кудринского промысла: в ней представлены резные изделия, эскизы узоров, документы и фотографии. В собрание Абрамцевского музея также входят работы Елены Поленовой, изделия Абрамцевской мастерской и предметы народного декоративно-прикладного искусства.

Что почитать:

• Арбат Ю. А. Шесть золотых гнезд. М., 1961
• Арзуманова О.И. Музей-заповедник «Абрамцево». — М.: Изобразительное искусство, 1989
• Белоглазова Н.М. В.Поленов и Е.Поленова в Абрамцеве. — Л.: Художник РСФСР, 1980
• Василенко В. М. Русская народная резьба и роспись по дереву // Народное искусство. М., 1974
• Коган Д.З. Мамонтовский кружок. — М.: Изобразительное искусство, 1970
• Мастера абрамцево-кудринской резьбы по дереву. М., 1979

Сообщение Абрамцево-кудринская резьба появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.

Палехом называют известный народный промысел — миниатюрную живопись темперой на лаковых изделиях из папье-маше. Обычно палехские мастера рисуют красками с золотым отливом на черном фоне.

Посёлок Палех Ивановской области – родина уникальных школ иконописи и лаковой миниатюры.

Палехская миниатюра известна на весь мир и существует почти сто лет. Но на са­мом деле этой художественной тради­ции несколько веков. Палех стал центром иконописного про­мысла еще в XVII веке; палехская икона до револю­ции была не менее знаме­ни­та, чем палехская шкатулка сегодня, и эти два вида искусства состоят в прямом родстве.

Дореволюционный Палех славился иконами миниатюрной, или, как их на­зывали, мелочной, работы. Это были небольшие молельные или житийные иконы, компо­зиции с изображением иконостасов. Особенностью этого типа икон было со­хра­­нение чистоты и строгости канона, ювелирная тщательность письма, вир­туозная иконописная техника, но глав­ное — на небольшой поверхности икон­ной доски размещалось множество тонко прописанных композиций или обра­зов. Это умение — одна из основ палехского стиля. Мастера распи­сывали кро­шечные бисерницы и броши, умещая на них былинные сюжеты со множе­ством героев.

Палехские мастера использовали мягкие плавные линии и яркие краски, а одеяния святых и орнаменты украшали сусальным золотом, поэтому их работы блестели, словно излучая божественный свет. Темперу, специальную краску, изготавливали по особому рецепту из порошковых пигментов и яичного желтка, которые разводили столовым уксусом или квасом. Для работы с сусальным золотом мастера использовали особенную кисть — лампензель, ее собирали своими руками волосок к волоску. А полировали золото волчьим зубом.

В XVII веке Палех стал иконописным центром, мастеров оттуда начали приглашать в Москву — например, расписывать Грановитую палату и Новодевичий монастырь.

В 1814 г. Иоганн Гёте заинтересовался суздальскими иконописцами. Владимирский губернатор сообщил поэту, что среди иконописных сёл выделяется своим искусством село Палех. Две иконы из Палеха – «Двунадесятые праздники» и «Богоматерь» — были отосланы Гёте.

В 1924 году палехские потомствен­ные иконописцы придумали, как применить свое мастерство и сохранить древ­нерусскую художе­ст­венную традицию в новой, атеисти­ческой культуре. Масте­ра Иван Баканов, Иван Вакуров, Иван Голиков, Александр Котухин, Иван Мар­ки­чев и искусствоведы Анатолий Бакушинский и Александр Глазунов создали палехскую Артель древней живописи и пере­несли иконопис­ные стили в лако­вые миниатюры. Каждый мастер Палехской артели в лаковой миниатюре применял свой люби­мый иконописный стиль, отсюда разнообразие нового искусства.

Основой палехского лакового искусства стала сложная живописная техника плавей, тоже сохраненная из иконописи. В этой технике прозрачные краски разных тонов наносятся в несколько слоев, каждая плавь отвечает за свой участок рисунка. В иконах таким методом прописывали лики. В результате переходы от темного к светлому незаметны, а резкие белильные движки, завершающие работу над изображением, придают ему динамичность.

В лаковой миниатюре также используется роспись золотом. Это еще одно существенное отличие Палеха от других центров лаковой миниатюры.

После создания Артели древней живописи по просьбе Максима Горького палех­ским художникам подарили целую библиотеку художественных альбомов, в том числе с рабо­тами мастеров европейского Возро­ждения. Произведения итальянских худож­ников стали для бывших иконописцев источником вдохно­вения и сюжетов. Например, «Встреча» Ивана Голикова — это пара­фраз фрески Рафаэля Санти «Встреча Иакова с Рахилью».

В постсовет­ской мифологии многообразное искус­ство Палеха — это «агитлак», массовое производство изделий с советской сим­во­ликой и тематикой. А на самом деле миниатюры палехской Артели древней живописи писались на веч­ные сюжеты вроде «Жнитвы» или «Поцелуя» и от­правлялись на экспорт. Запад, впервые увидев­ший палехское искус­ство на вы­ставке в Венеции в 1924 году, с тех пор исправно заказывал шкатулки и ждал не агитлака, а аполитичных сюжетов. Революцион­ная же тематика произведе­ний была в основном ситуативной: шка­тулки создавались к все­союз­ным вы­ставкам или как эксклюзивные подар­ки партийному руководству. Напри­мер, одна из самых интересных композиций с совет­ской тематикой — пластина  Павла Баженова «На страже границ СССР» 1935 года.

В 1935 году в Палехе по инициативе Максима Горького открыли Музей палехского искусства. Там хранятся, например, миниатюры Аристарха Дыдыкина «Демьянова уха», «Раскрепощение женщины» и «Волга — русская река». А станция московского метро «Новослободская» украшена работами палехского мастера Павла Корина.

Сегодня в посёлке работают современные мастерские палехских художников. В мастерских изготавливают шкатулки, ручки, ёлочные шары и прочие предметы для ценителей палехской миниатюры.

У каждого художника несколько деревянных или пластмассовых чашечек с красками. Они приготовлены традиционным способом: берется яйцо, аккуратно отделяется желток от белка, желток кладётся обратно в скорлупу и смешивается с водой, добавляется несколько капель уксуса, а затем тщательно растирается с сухой темперой. Яичный желток служит связующим веществом, уксус же растворяет сухие краски, съедает излишнюю жирность желтка и предохраняет краски от порчи. Краски на яичном желтке отличаются большей нежностью и свежестью. Они легко покрывают одна другую и быстро сохнут, давая возможность просвечивать нижним слоям. Краску заготавливают в небольших количествах, так как хранится она недолго. Кисти палешане применяют только натуральные. Самые лучшие – беличьи. Художники изготавливают их сами. У белки очень тонкий волос, упругий и прямой, по нему хорошо сходят краски. Для росписи миниатюры требуется не меньше шести кистей разной толщины. Чтобы остриё кисточки не ломалось, на них надевают «cаночки» – трубочки из утиных перьев.

Перед нанесением рисунка, художник разрабатывает сюжет, переносит рисунок на кальку или другую прозрачную бумагу. После этого оборотная сторона рисунка натирается пальцем сухим порошком мела или белил. Эту заготовку кладут на поверхность шкатулки, чтобы бумага с рисунком не сдвигалась, ее временно приклеивают к поверхности шкатулки. Затем художники цировкой (тупая игла, вставленная в штылек – деревянный череночек) обводят рисунок, таким образом они переносят его с эскиза на матовую поверхность шкатулки. Когда рисунок снимают, на черной поверхности остаётся чёткий белый отпечаток. Остатки порошка белил смахиваются гусиным пером так, чтобы рисунок остался четким.

Для того чтобы черный фон, поверх которого наносятся краски, не глушил их, не вносил тусклость, выполняется белильная подготовка – все фигуры, одежда, пейзаж, архитектура и другие детали прописываются белым цветом. Слой белил необходим для того, чтобы при последующем покрытии росписи лаком сквозь краску не проступали чёрные пятна (лак слегка растворяет краску). Уже на этой стадии закладывают основу цветового решения. На те места, где будут светлые тона, кладут белила в несколько слоев. Для получения большей плотности красок многие мастера подготовку белилами производили до трех-четырех раз.

Живописный процесс начинается с роскрыши – цветового оформления шкатулки. Белильный рисунок покрывают локальным цветом от одного до трех-четырех раз. Этим достигаются плотность, непрозрачность красочного пятна. Под конец роскрышь может выполняться плавями-лессировками, что создает прозрачность, легкость тона.

Следующий этап – роспись. Прорисовываются по роскрыши темным тоном все контуры и детали, а затем выявляют теневые и световые части композиции. Этот процесс называется приплавкой.

Последний этап – окончательная отделка красками объемов всех мелких деталей предметов шкатулки. 

Далее готовую красочную поверхность изделия готовят к росписи золотом. Дважды лакируют, так как незакреплённый лаком живописный слой может впитывать золото. Изделие просушивают, затем вновь пемзуют, уничтожая блеск лака до матовости. Это делается для того, чтобы золото не скользило по лаку, а прочно закрепилось на матовой поверхности. Порошок пемзы с оттёртой поверхности смахивается гусиным пером.

Закончив роспись миниатюры, художник ставит свою подпись. Затем изделие еще раз покрывается лаком, просушивается в печи и поступает в окончательную отделку лаком, полировку плюшем, бархатом или войлоком на особом полировальном круге. Заканчивается весь процесс полировкой вручную. Поверхность покрывается салом и обрабатывается в течение часа ладонью, смоченной водой. Таким образом, художники добиваются от поверхности миниатюры особого зеркального блеска, что дает изображению дополнительную глубину и заставляет краски «звучать» более насыщенно.

Что почитать:

Зиновьев Н.М. Искусство Палеха, 1975.
Зиновьев Н.М. Стилистические традиции искусства Палеха, 1981
Пирогова Л.Л.Русская лаковая миниатюра. Истоки и современность, 2003
Подстаницкий С. Портретная миниатюра из частных собраний, 2007

Сообщение Палех появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.

Дымковская игрушка – это уникальный вид народного прикладного искусства, которое упоминается еще в русских летописях XV в. Это древний глиняный промысел, с течением времени ставший традиционным, у него нет аналогов во всем мире. Дымковская игрушка внешне представляет собой миниатюрные глиняные фигурки в виде людей, домашних животных, птиц, раскрашенных яркими красками.

Как сказано в летописи, возникновение дымковской игрушки берет свое начало около 400 лет назад в слободе Дымково, что близ города Хлынова-Вятки, ныне город Киров. Отсюда и название «дымковская».

Появление игрушек связано с праздником Свистунья, который был посвящен языческому Богу солнца и плодородия. Празднования традиционно устраивались весной. Для продажи на ярмарках и гуляньях изготавливались глиняные яркие игрушки-свистульки, которые считались оберегами будущего урожая.

Красочные фигурки полюбились народу, их ассортимент постепенно расширялся. Секрет «дымки» передавался в семье по женской линии: от матери к дочери. Игрушку лепили из глины с песком, белили мелом, разведенным в молоке, раскрашивали яичными красками. Сначала изображали животных, как повелось с язычества. Но символом «дымки» стала барышня.

В начале XX века народный промысел стал утрачивать былую популярность. Ремесло перестало кормить, и лишь мастерица Анна Афанасьевна Мезрина в то время в Дымкове лепила и расписывала игрушки. В 1908 году её работами заинтересовался художник А. И. Деньшин, написавший о промысле и самой Мезриной несколько книг и статей. Благодаря двум этим подвижникам дымковская игрушка жива по сей день.

Наверное, самыми узнаваемыми дымковскими игрушками являются фигурки животных: индюки, бараны, олени, лошадки…

Но зачастую дымковская игрушка не любит «одиночества». Художницы создают целые композиции, рассказ. Сюжеты — бытовые, например, спасение грибника от медведя, праздничные — ярмарочные гулянья или с претензией на историю — к примеру, лодочная прогулка Степана Разина с княжной.

Применение определенной символики в орнаменте делает дымковскую фигурку не просто игрушкой-украшением, а наполняет ее особенным скрытым смыслом.

Особенности нанесения узора зависят не только от формы и размера игрушки, но также от фантазии и предпочтений мастерицы. Рисунок не продумывается заблаговременно, он возникает в процессе творчества. Именно это делает каждый сувенир уникальным и неповторимым.

Интересные факты о дымковской игрушке:

• В городе Кирове в 2010 году был создан памятник дымковской игрушке — композиция получила название «Семья».

• В 2011 г. в Кирове открылся музей – «Дымковская игрушка: история и современность»
• В деревне Дудинцы установлен трехметровый арт-объект в виде дымковской «Барыни»

• На церемонии открытия зимних Олимпийских игр в 2014 в Сочи году были использованы мотивы дымковских орнаментов.
• Раньше, в СССР, на автоматах с газировкой была изображена дымковская барыня.

Дед Мазай и дымковская игрушка

К величайшему открытию пришла группа вятских независимых историков! Изучая историю возникновения дымковской игрушки, была обнаружена связь этого явления не только со знаменитым наводнением 1869 года, но и с творчеством Некрасова!

Мало кто знает, что сюжет поэмы Николая Некрасова «Дед Мазай и зайцы» основан на реальных событиях, произошедших в Вятской губернии. Поэт описал наводнение, случившееся в 1869 году в слободе Дымково.
С давних времен жители Дымково занимались мясным кролиководством, благо полей и лугов по правому берегу реки Вятки было предостаточно. Слава о дымковском кролике гремела на всю страну, их отличительной особенностью была способность к быстрому набору массы – за первые полгода жизни маленький крольчонок превращался в животное весом до 5 фунтов (около 2,3 кг). А в 1868 году на ярмарке в Нижнем Новгороде демонстрировался дымковский кролик Фердинанд весом 16 фунтов (7,3 кг)! Хозяин рекордиста Мазай Таранов имел в хозяйстве одно из самых больших поголовий этих животных. Размеренная жизнь дымковских кролиководов была нарушена стихийным бедствием, случившимся весной 1869 года. Процесс разрушения карстовых пород привел к понижению уровня правого берега Вятки на 12 сантиметров, что вызвало затопление Дымково (с тех пор слободу топит каждый год). Наводнение явилось полной неожиданностью для местных жителей. За какие то 2-3 часа погибло почти все поголовье кроликов, смытых волной в пучину многоводной Вятки. Единственным, кто пытался бороться со стихией и спасти ценных животных, был Мазай Таранов. Главным объектом поиска был Фердинанд. Усилия Мазая были вознаграждены – на вторые сутки поисково-спасательной операции он обнаружил своего любимца дрейфующим на ящике из под пива. Попутно Таранову удалось спасти с десяток крольчих.
Вода спала через неделю, а происшествие вызвало немалый резонанс в местной прессе. Молва о стихии докатилась и до столицы и в июльском номере «Санкт-Петербургских ведомостей» была опубликована заметка «Мясозаводчик Мазай Тарановъ спас зайцев», послужившая исходным материалом для стихотворения Некрасова. Таранов попытался было возобновить процесс выведения дымковских кроликов, но в результате пережитого стресса спасенные Мазаем крольчихи потеряли способность к размножению. В дальнейшем они были употреблены Тарановыми в пищу, а Фердинанд умер естественной смертью в 1871 году. Так исчезла чудо-порода дымковских кроликов.
Без любимого дела Мазай Таранов с горя запил, что и явилось толчком к осознанию им своего дара лепки и росписи глиняных игрушек. Поначалу он лепил только зайцев, а затем перешел к более сложным композициям «баба с коромыслом» и «баба с козлом». Своему новому увлечению Таранов обучил жену, детей, многочисленных родственников и знакомых – таких же угнетенных горем бывших кролиководов. Со временем все трудоспособное население слободы лепило глиняные игрушки, с которыми и стало вскоре ассоциироваться название «Дымково». И по сей день дымковская игрушка является одной из визитных карточек Вятки.
А вот про чудо-кроликов забыли. Правда, порой бывалые охотники рассказывают о гигантских зайцах, замеченных в районе Коминтерна. Хотя подстрелить пока ни одного не удалось.

Что почитать:

• Киселева Г. Г., Шаклеин С. П. Дымковская игрушка на рубеже столетий, 2007
• Менчикова Н.Н. Чудо глиняное, дымковское, 2015
• Рогов А. П. Народные мастера: Биографические очерки: Анна Мезрина, Игнатий Мазин, Василий Ворносков, Иван Голиков (ЖЗЛ), 1982
• Русские художественные промыслы, самые красивые и знаменитые, 2010
• Традиционная глиняная игрушка Русского Севера, 2009

Сообщение Дымковская игрушка появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.

Шемогодская прорезная берёста – русский народный художественный промысел, возникший ещё в 18 в. в деревнях по берегам реки Шемоксы, притоку Северной Двины. Вероятно, одной из причин возникновения берестяного промысла в Шемогодской волости была её близость к Великому Устюгу, старинному центру художественных ремёсел, с которым связана история черневого серебра, филиграни и скани, перегородчатых эмалей, расписных изразцов, золотого шитья, просечного железа, резьбы и росписи по дереву. Высоким мастерством резьбы по берёсте славилась шемогодская деревня Курово-Наволок, а наиболее талантливым резчиком-художником был И.А. Вепрев, крестьянин этой деревни. Со временем этот вид мастерства превратился в промысел.

Берёста — верхний слой коры берёзы. Её использовали на Руси издревле. Спрос на берестяные изделия заставлял мастеров придумывать новые варианты, как выделить свой товар из массы аналогичных поделок. Один из таких способов придумали в деревнях Вологодской губернии, где научились сквозной резьбе по берёсте.

Для начала художник с помощью затуплённого шила наносил на берёсту контур будущего узора. Затем рисунок прорезался острым ножом. Полученный таким образом узор помещали на готовое изделие. А чтобы рисунок лучше читался, фон иногда затемняли.

На развитие орнаментального искусства резной берёсты в разное время оказали влияние резьба по кости, просечное железо, северная чернь, резьба и роспись по дереву. Однако, испытав на себе различные влияния, шемогодская берёста осталась самобытной и неповторимой.

Мотивами творчества шемогодских мастеров, с любовью и исключительным художественным чутьём подходивших к разрешению декоративного оформления своих изделий, были образцы, дошедшие от древних верований их далёких предков, наблюдения над окружающей природой, а также мотивы, пришедшие извне, но всегда по-своему воспринятые и основательно переработанные.

Самый распространённый мотив шемогодской резьбы: стелющийся стебель с удлинёнными листьями. Использовали и геометрические узоры: круги, ромбы, овалы. А иногда таким образом вырезали даже целые сюжеты. Например, в Государственном историческом музее есть работы Степана Бочкарёва — шкатулки и табакерки первой половины XIX века со сценками по мотивам басен Эзопа.

На северных берестяных изделиях можно видеть не только забавные сценки со смешными человечками. Шкатулки, тавлинки, сигарницы населены фантастическими зверями, сказочными чудовищами с двумя головами, львами, грифонами. Пожалуй, самым любимым героем был лев. Интересно, что эти львы никогда не производят впечатления свирепых или злых зверей. Их добродушные морды всегда приветливо улыбаются, а сами они нередко смахивают на весёлых русских мужичков.
Но наряду с фантастическими животными резчики по берёсте с большой любовью и умением изображали реальных оленей, лисиц, птиц.

Самым известным мастером шемогодской резьбы считается Иван Вепрев. В 1882 году на Всероссийской промышленной ярмарке его изделия полностью выкупил императорский двор. Стоили поделки от 5 до 13 рублей за штуку. Для сравнения: заработок крестьянина тогда составлял 16 рублей за шесть зимних месяцев.

А в 1900 году за свои работы Вепрев получил медаль на Всемирной выставке в Париже. С тех пор шёмогодские резные берестяные изделия стали закупать многие страны. В 1928 году Госторг реализовал в Германии берестяных изделий на 5000 рублей золотом.

Во второй половине ХХ века была открыта фабрика «Великоустюгские узоры», где работали мастера шемогодской резьбы. В 1990-х годах фабрика закрылась, мастеров распустили. Промысел возрождается стараниями энтузиастов.

Плавно изгибающийся растительный побег с крутыми завитками — один из наиболее распространённых мотивов в современном искусстве прорезной берёсты. Он повторяется мастерами в разных вариантах. Иногда узор свободно стелется по плоскости, развиваясь в нескольких направлениях, иногда даётся в виде ритмически повторяющихся веток-спиралей, либо симметрично отходящих от центра вправо и влево стеблей со множеством листочков и ответвлений, увенчанных изящными по форме трилистниками, розетками, яблочками, стилизованными цветами и ягодами. Мастера пользуются и другими приёмами, помещая, например, среди пышного растительного узора изображение птиц. Широкое использование данного образа во многих видах народного искусства свидетельствует о давней традиционности этой фигуры, призванной, видимо, выполнять функции оберега.
В процессе творчества некоторые из мастеров слегка намечают тупым шилом на берёсте основные контуры рисунка, а затем уже в дело идёт резец. Другим, более опытным, такая операция не нужна — уверенными, непринуждёнными движениями инструмента они сразу являют на свет удивительной красоты узоры. Многолетние навыки дают им возможность безошибочно резать тончайшее берестяное кружево. Удаляемый фон требует, чтобы узор был сплошным, состоящим из соприкасающихся форм. В нём не могут иметь места выпадающие, не связанные между собой мотивы и элементы. Дополнительная моделировка форм мелкой прорезью и тиснением оживляет рисунок, делает его ещё более изящным и пластичным.

Что почитать:

• Буданов С. М. Шемогодская прорезная береста // Русская народная резьба и роспись по дереву. М., 1956.
• Воронов В. С. Шемогодская прорезная береста // Народное искусство СССР в художественных промыслах. Т. 1. М.; Л., 1940.
• Варюхичев А. Сказы о самородках, 1978
• Серикова Г. Секреты резьбы по дереву, 2011
• Соболев Н. Русская народная резьба по дереву, 2000

Сообщение Шемогодская резьба появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.

Уральская резьба по камню — один из традиционных русских народных промыслов.

Особенно широко этот промысел развит на Среднем Урале, основные центры камнерезного искусства — города Екатеринбург, Нижний Тагил, Челябинск, Пермь, Магнитогорск, Новоуральск, Кунгур, Чусовой, Лысьва, Асбест.
Почти в каждом городе Урала существует хотя бы одна поделочная мастерская, где работают мастера-камнерезы.

На Урале художественная резьба по камню зародилась в XVIII веке как сопутствующее металлообработке ремесло, а уже к концу века по всему Уралу работало множество частных мастерских.

Сырьём для камнерезов были местные камни (яшма, малахит, агат, кварц, сердолик, родонит, мрамор и другие), которые находили местные жители во время разведки новых месторождений руды.

В 1726 году на Урале были основаны первые мастерские по обработке камня. По указу императрицы Екатерины I на Урал был командирован шведский поручик Реф для поиска цветных камней и обучения русских камнерезному искусству.

В 1765 году в Екатеринбурге на базе местных мастерских создана «Екатеринбургская гранильная фабрика» (ЕГФ). Фабрика одновременно являлась центром камнерезного дела, промышленным комплексом по добыче и обработке цветного камня и профессиональным училищем для многих поколений мастеров.

К 1774 году Екатеринбургская гранильная фабрика стала мощным предприятием по переработке самоцветов. Произведениями уральских камнерезов украшаются интерьеры царских резиденций. Поступают заказы на мраморные детали — ступени, плиты, поручни, колонны — для Смольного монастыря, Петергофа и многих построек Царского Села, а также множество деталей и украшений для знаменитого Мраморного дворца в Петербурге.

В XVIII — первой половине XIX вв. на фабрике были освоены практически все способы обработки камня. Здесь делали художественные надгробия, интерьерные вазы, столешницы, камины, пирамиды и торшеры, геммы («аттики»), а также мелкую декоративную пластику и предметы быта: чарки, подносы, пуговицы, рукоятки кортиков, табакерки, флакончики, чернильницы и прочее.

В 1851 году, после Всемирной выставки в Лондоне, уральские самоцветы прославились и полюбились всему миру.

Свою лепту в каменное дело внес горный мастер – Данила Зверев (1858-1938). Говорили, будто он чувствовал, где находится месторождение с ценными самоцветами. Данила Зверев занимался оценкой драгоценных камней, выполнял заказы для Москвы и Петербурга. Он участвовал в изготовлении методом флорентийской мозаики знаменитой карты Франции, которая была представлена на выставке в Париже в эпоху сближения России и Франции перед Первой мировой войной. Уже в советские годы сыновья Данилы Зверева подбирали самоцветы для изготовления звезд Московского Кремля, для гигантской карты индустриализации СССР, самой дорогой карты в мире.

Но наибольшую славу среди уральских резчиков по камню заслужил Алексей Козьмич Денисов-Уральский (1864-1926). Мастеру не было и тридцати лет, когда он стал получать призвание и награды в России и за рубежом. Денисов-Уральский сделал существенный вклад не только в развитие, но и в популяризацию уральского камнерезного искусства. Петербургская выставка 1911 года на Большой Конюшенной «Урал и его богатства» стала подлинным триумфом Алексея Денисова-Уральского – за время работы ее посетило множество жителей и гостей столицы, неоднократно появлялись в выставочных залах представители правящей династии и высокопоставленные зарубежные гости. Благодаря этой выставке мастерская Алексея Козьмича получает долгосрочные и выгодные заказы от Картье. Денисов начинает поставлять в Париж анималистику (мелкие резные фигурки зверей из камня), более сложную наборную скульптуру (фигурки в технике объемной мозаики, склеенные из кусочков разных камней), интерьерные предметы (пепельницы, вазы, чернильницы, чаши, печати). В 1912 году А.К. Денисов-Уральский становится одним из соучредителей «Общества для содействия развитию и улучшению кустарного и шлифовального промысла “Русские самоцветы”», на основе которого появилось знаменитое петербургское предприятие, специализирующееся на обработке поделочных камней. 

На рубеже XIX–XX вв. ведущей в художественной обработке камня становится фирма «Фаберже». Примерно в эти годы появляется техника объёмной мозаики — каменные натюрморты («накладки»), которыми украшались кабинеты пресс-папье. Традиции изготовления накладной мозаики с рельефным натюрмортом сохранялись на протяжении всего XX столетия.

В XX и XXI веке по сюжетам Уральских народных сказов П.П. Бажова изготавливаются изделия из малахита с использованием металлов и россыпи различных полудрагоценных камней-самоцветов. Самые популярные из них — Хозяйка Медной горы, Данила-мастер за работой, а также так называемые каменные горы, которые чаще делались с башенкой на вершине, имитируя Лисью гору в Нижнем Тагиле, или гору Благодать в Кушве, или скалу с ротондой в селе Курьи и прочие известные горы и скалы Среднего Урала. Особой популярностью пользуются малахитовые шкатулки как из произведения «Хозяйка медной горы».

После распада СССР, одной из первых частных камнерезных фирм в Екатеринбурге, стала фирма Дмитрия Емельяненко — «Яхонт и Ко».

Современные камнерезы Урала активно осваиваются передовые технологии обработки камня. Работы мастеров объемной мозаики из камня студии «Святогор» поражают. Это высокохудожественные, детализированные произведения, в которых сочетаются традиции старых русских мастеров Урала и современные технологии.

Что почитать:

• Будрина Л. Малахитовая дипломатия, 2020
• Завод Русские самоцветы, 1976
• Павловский Б. Камнерезное искусство Урала. — Свердловск, 1953.
• Путешествие в мир камня, 2007
• Скурлов В. Ювелиры и камнерезы Урала, 2001
• Яровой Ю. Цветные глаза земли, 1984

Сообщение Уральские камнерезы появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.

Родина гусевского хрусталя, по праву считающегося одной из визитных карточек нашей страны, — город Гусь Хрустальный во Владимирской области. При Петре I стекольная промышленность стала развиваться особенно интенсивно. Царь обязал иностранцев, работающих на заводах, обучать стекольному делу приставленных к ним русских людей. Благодаря экономической политике Петра I количество стекольных мануфактур в России бурно росло. Одним из крупнейших заводов был Покровский стекольный завод в Можайском уезде Московской губернии Василия Мальцова. В те годы в Москве и вокруг Москвы работало много заводов. А поскольку единственным источником топлива тогда были дрова, московские леса безжалостно вырубались. Это обстоятельство заставило Правительствующий Сенат в 1747 году вынести указ: «Снести винокуренные, медные, железные и стекольные заводы в пределах Москвы и от Москвы в двухстах верстах».

Пришлось наследникам Василия Мальцова, его сыновьям Акиму и Александру, подыскивать новые места для заводов. Александр Мальцов получил разрешение поместить свое предприятие в Орловской губернии. А выбор Акима пал на соседнюю Владимирскую губернию. Здесь в Мещёрском краю были самые подходящие условия для стеклоделия: дремучие леса богаты деревом, почва хранила залежи кварцевого песка, а по реке можно сплавлять готовые изделия.  И велел Аким Мальцов на реке Гусь в урочище Шиворово завод строить. Было это в 1756 году.

История промысла – это история семьи, поскольку основателем мальцовского стекольного района является Аким Мальцов, построивший первый завод. После уже его дети и внуки продолжили строительство, создавая новые заводы и фабрики, каждая со своей специализацией. Внук Акима – Иван Мальцов специально уезжал за границу, чтобы там изучить тонкости европейских технологий выпуска хрусталя самого высокого класса. Полученные знания он внедрил на своих заводах, которые вскоре стали лучшими в стране.

В то время лидерство на мировой арене по выпуску цветного стекла и изделий из хрусталя оставалось за чешскими мануфактурами, славившимися богемским стеклом. Когда Николай I, в эскорте которого состоял Иван Мальцов, побывал в Чехии с монаршим визитом, промышленник не упустил возможности купить рецепт изготовления богемского стекла, немедленно внедренный на заводах в Гусе Хрустальном. Подтверждением тому стала «большая золотая медаль», завоеванная продукцией на выставке в Санкт-Петербурге в 1833 г., а в 1835 году гусевский хрусталь стал известен всему миру.

Слава об изделиях гусевского завода, которые отличались высоким качеством и красотой, разлеталась по всей округе. Расширяя производство, Аким Мальцов в соседних сёлах построил ещё несколько стекольных заводов, и три завода – в Орловской губернии.

Большой вклад в развитие стеклоделия в России внёс Михаил Васильевич Ломоносов. В первой российской химической лаборатории, открытой в 1748 году, Ломоносов производил многочисленные опыты. В 1764 году он писал: «Здесь более четырех тысяч опытов, коих не только рецепты сочинял, но и материалы своими руками по большей части развешивал и в печь ставил».

В 1751 году М.В. Ломоносов раскрыл секрет «золотого рубина» — стекла малиновых оттенков, напоминающего своим мерцанием драгоценный камень.

В мае 1983 года был открыт Музей хрусталя, разместившийся в Георгиевском соборе, основу музейного собрания составила коллекция Мальцовых. Она хранилась в деревянных ящиках, в которые складывали изделия хрустального завода. Эти ящики находились в двух комнатах заводоуправления и счастливо пережили трудные революционные и другие годы. Когда мальцовскую коллекцию привезли в музей и стали распаковывать, то без конца раздавались восторженные возгласы членов комиссии – это были прекрасные уникальные образцы. Музей хрусталя им. Мальцовых — самая посещаемая достопримечательность Гусь-Хрустального. Сегодня коллекция Музея хрусталя им. Мальцовых насчитывает не менее 2 тыс. экспонатов, среди которых графины, фужеры, штофы, тарелки, бокалы и многое другое.

Расположенные на огромном подиуме с подсветкой в центральной части зала, экспонаты отражают историю развития стекольного дела в России.

В пространство апсиды органично вписалась шестиметровая композиция «Гимн стеклу», созданная прославленными мастерами В.С. Муратовым и В.И. Касаткиным. Ажурное кованое дерево, на котором распустились 330 хрустальных цветов, с порхающими между ними разноцветными птицами и серебряными колоколами, устремляется ввысь. А над «Гимном» находится огромное мозаичное панно «О Тебе радуется, Благодатная!», созданное по эскизам В.М. Васнецова.

Есть в музее экспонат, с которым связана старинная легенда. Жил в Гусь-Хрустальном мастер Разумей Васильев. И был он большим умельцем в стеклянном деле. Рассказывали, что мог он сделать петушка, посадить его в графин и непонятно было, как он туда попал. Была у Разумея дочка. Заболела она в лютые морозы, металась в жару и вспоминала лето, цветочки на лугу. В одну ночь сделал Разумей Васильев стеклянный букет. Принёс его домой, поставил перед больной дочерью, засверкали огненными искорками лепестки и листья цветов. И дочка поправилась. Чудесный букет попал через некоторое время в коллекцию И.С. Мальцова. Так сохранился он до наших дней.

Гусевской хрусталь по-прежнему остаётся с нами, и волшебные искорки его граней привносят в окружающий мир праздник и красоту.

Что почитать:

• Гиляревский П. Гусь-Хрустальный, 1971
• Гиляревский П. Искры на гранях, 1973
• Добровольский Е. Город на речке Гусь, 1983
• Золотова Н. Музей хрусталя имени Мальцовых, 2014
• Казакова Л. Об истории русского художественного стекла в Гусь-Хрустальном, 1973
• Полторацкий В. Гнездо хрустального гуся, 1972
• Ульянова А. Летопись мастерства. Гусевские художники стекла, 2011

Сообщение Гусевский хрусталь появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.

Искусство финифти — украшения эмалью — зародилось несколько тысяч лет назад на Востоке. Этот способ стал известен случайно, как побочное открытие во время плавки стекла.

Этимологию названия «финифть» объясняют двумя теориями. По первой версии слово «финифть» происходит от греческого слова «химео», то есть «смешиваю». По другой же – тоже от греческого, но уже от существительного «фенгос», что значит «мерцание». 

На Русь финифть пришла из Византии в X веке, где ее называли «огненным письмом». Русские ювелиры освоили новую технику и стали украшать ею иконы, церковную утварь и оклады религиозных книг. Позднее московские мастера декорировали эмалями небольшие бытовые предметы: статуэтки и шкатулки, ручки и чернильницы, часы, табакерки и столовые приборы. Несведущие люди считали, что финифть производят из расплавленных драгоценных камней, настолько красивой и яркой она была.

В XVII веке технологию значительно усовершенствовал французский ювелир Жан Тутен, он открыл секрет полупрозрачных огнеупорных красок. С тех пор процесс состоял из трех этапов: сначала мастер готовил белую эмалевую основу, затем наносил рисунок и вставлял изделие в оправу. Пластину для основы вырезали из листа металла. Использовали медь, бронзу, латунь, серебро или золото. Затем ей придавали нужную форму, добиваясь идеально ровной поверхности, чтобы «навести белизну» — нанести на металл слой размолотого стеклянного порошка. Заготовку отправляли в печь, на выходе получалась гладкая поверхность белого цвета. Обратную сторону тоже покрывали стеклянным составом, чтобы при обжигах пластина не деформировалась.

В таком виде заготовка попадала к художнику. На выпуклой стеклянной части он изображал огнеупорными красками из стекловидного порошка миниатюры и орнаменты. Техника была схожа с росписью фарфора: художник работал небольшой кистью и мазок за мазком наносил рисунок. Мастер намечал общий план изображения, отправлял изделие в печь, охлаждал, а затем выписывал тонкие детали и добавлял новые цвета. Каждый слой краски закаляли при температуре около 700–800 градусов. Обычно художники ограничивались тремя обжигами, но некоторые сюжеты требовали до пяти подходов. Краски в печи плавились, получалась блестящая глянцевая поверхность, которая не нуждалась в дополнительном закреплении.

Готовую финифть вставляли в оправу из серебра или другого металла. Часто ею служила филигрань — тонкий кружевной узор из проволоки. Финифть не меняла цвет с годами, ей была не страшна влажность и высокая температура. Единственный недостаток изделия — хрупкость. Крупные украшения нуждались в бережном обращении, хотя небольшие предметы оставались довольно прочными и легко переносили удары. Драгоценные камни могли поцарапать эмалевый слой, поэтому финифть хранили отдельно от других украшений.

Расцвет финифти в России пришелся на XVI–XVII века, тогда же сложились основные жанры цветной эмали: на декоративных предметах мастера изображали сказочные и исторические сюжеты, пейзажи и православные храмы. А на ювелирных изделиях — цветочные орнаменты. Главным заказчиком в течение долгого времени оставалась церковь: долговечные, яркие и изящные миниатюры украшали оклады икон и одежду священнослужителей, а паломники увозили с собой из монастырей небольшие эмалевые образы святых на память.

В XVIII веке русская финифть стала известна за пределами страны, искусство развивалось, миниатюры на эмали ценились наравне с драгоценными камнями. Промысел процветал в Нижнем Новгороде, Костроме и Угличе. Ученый Михаил Ломоносов внес вклад в развитие эмальерного дела: по его инициативе построили стеклодельный завод, стекло использовали как основу для красок. В Академии художеств в Петербурге был основан класс «живописи по финифти», в котором учились будущие художники.

Во многом, направление искусства стало популярным благодаря мастерству эмальеров из Ростова Великого, в те годы — духовного центра страны.

В ХIХ веке основным товаром ростовских эмальеров были ладанки и иконки с ликами святых, а также шкатулки с городскими и монастырскими видами. Многие художники копировали работы местных иконописцев и картины известных европейских и русских мастеров: Боттичелли, Рафаэля, Виктора Васнецова. К концу века преобладала светская тематика изделий, среди состоятельных горожан стали популярны портреты на заказ, выполненные в технике финифти.

К началу ХХ века ростовская финифть пользовалась все меньшим спросом. Новые технологии штамповки и печати делали производство эмалей экономически невыгодным. Снова интерес к ростовской финифти появился уже при советской власти. Художники изображали исторических деятелей и знаменитых ученых, героев и космонавтов. Например, в 1960-е годы появились финифти с изображением космонавта Юрия Гагарина, к юбилейным датам выпускали предметы с портретами поэтов и писателей.

Сегодня промысел финифти в Ростове Ярославской области по-прежнему развивается. В городе работает несколько творческих объединений и фабрика, здесь выпускают иконы, ювелирные изделия, столовые приборы и декоративные предметы с видами Ростова. Многие из мастериц происходят из династий эмальеров, они, как и прежде, вручную расписывают изделия. Финифть можно встретить не только на прилавках ювелирных магазинов, но и в коллекциях ценителей и в музеях.

Финифть практически никогда не повторяется. Также и филигранные оправы могут немного отличаться. Каждое готовое украшение с эмалью индивидуально. Поэтому финифть всегда была и останется элитарным видом искусства.

Что почитать?

• Борисова В. Ростовская финифть. Альбом, 1995
• Кривоносов В. Огненное письмо. Ростовская финифть. Краткий очерк, 1977
• Мухин В. Искусство русской финифти, 1996
• Пак В. Ростовская финифть ХХ века, 2006
• Ростовская финифть XVIII века, 1993

Сообщение Финифть появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.

«Мастерица над станом клонится
И, коклюшками шевеля,
Где за ниткою нитка гонится,
Песню ткет про тебя, земля.
Пальцы, легкие и проворные,
Заплетают, вспорхнув едва,
Как мороз по стеклу, узорные
Вологодские кружева»
Всеволод Рождественский

Вологодское кружево — вид русского кружева, плетённого на коклюшках (деревянных палочках), распространённый в Вологодской области.

Вологодское кружево обладает особой самобытной красотой. В народе его называют «нетающий иней». На развитие орнаментального искусства  кружева большое влияние оказали узоры резьбы по дереву, орнаменты ткачества, старинные вышивки. Особенно ажурная вышивка  «вологодское стекло»  с  разнообразными «снежинками» и «паучками» на сквозных фонах.

Эта вышивка в основном бытовала в  Вологодском уезде, и именно на этой территории промысел развивался особенно интенсивно. Орнамент вологодского кружева характеризуется мягко-изогнутыми плавными линиями рисунка,  он всегда графически чёткий, ритмичный и может состоять из геометризированных фигур или растительных обобщенных форм.

Для изготовления вологодского кружева требуется: подушка-валик, коклюшки, можжевеловые или березовые булавки, узор. Типичный материал для вологодских кружев — лён, отбеленный или суровый.

Процесс создания кружева начинается с изготовления «сколка» — рисунка на бумаге, который затем прикалывают на подушку. Кроме линий будущего узора, на сколке видно множество точек, куда втыкают булавки. От булавок веером тянутся нити, навитые на деревянные палочки-коклюшки — главный рабочий инструмент кружевницы. Она быстро, почти незаметными движениями перекладывает их из одной руки в другую, переплетая нити.

Вологодское кружевоплетение восходит к 16—17 вв., но как промысел существует с первой четверти 19 века. Изначально считается, что кружево зародилось в Европе, а наиболее древними центрами кружевоплетения считаются Италия и Фландрия.

Начало промысла относится к 1820 году, когда близ Вологды в имениях помещиков крепостные стали выплетать отделки к платьям и белью, подражая западноевропейским.

По официальным исследованиям установлено, что во времена крепостного права во всех значимых помещичьих усадьбах губернии находились кружевные «фабрики», поставлявшие кружевные изделия в Санкт-Петербург и Москву.

И одна из таких фабрик была основана помещицей Засецкой в трех верстах от Вологды в селе Ковырино не позднее 20 годов XIX века. Там крепостные выплетали тончайшее кружево для отделки платьев и белья, подражая западноевропейским узорам.

Со временем из помещичьих мастерских плетение кружев переместилось в народную среду и стало одним из видов народного искусства, отражавшего запросы и вкусы широких кругов местного населения. В Вологодской губернии существовал обычай: после свадьбы девушки надевали сразу помногу рубах и юбок с кружевными прошвами, чтобы показать все богатство, которое она наплела до замужества. Это называлось «пойти на перебаску».

В 1893 году в Вологодской губернии кружевным промыслом занимались 4 000 мастериц, в 1912 году — уже 40 000. 8 марта 1928 года в Вологде было открыто уникальное учебное заведение, которое прошло сложный путь от кружевной школы до Губернаторского колледжа народных промыслов. На сегодняшний день Губернаторский колледж осуществляет подготовку профессиональных кружевниц и вышивальщиц.

3 ноября 2010 года в Вологде открылся Музей кружева. В основной экспозиции представлены более 500 предметов, рассказывающих об основании и развитии этого традиционного художественного промысла Вологодчины.

Вологодские кружева неоднократно получали на выставках высшие награды: золотую медаль на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже в 1925 году, Гран-при в Париже в 1937 году, золотую медаль в Брюсселе в 1958 году Тогда же, на выставке в Брюсселе, был отмечен высшей наградой Гран-при кружевной вологодский занавес «Русские мотивы».

В Третьяковке хранится известная картина Василия Тропинина «Кружевница». Запечатленная на ней юная мастерица, скорее всего, родом из Вологды – ведь именно там нашел свою судьбу Василий Тропинин. Его избранница Анна была родной сестрой художника-академиста, вологжанина Николая Ивановича Катина, с которым Тропинин учился в Санкт-Петербургской академии художеств.

Кружевница Тропинина, возможно, была крепостной у какого-нибудь вологодского помещика, и гений художника сохранил ее светлый образ на века.

Что почитать?

• Исакова К.В. Плетение кружев,1960
• Климова Н.Т. Народный орнамент в композиции художественных изделий. Цветное коклюшечное кружево, 1993
• Третьякова Е.И. Русское кружево,1995
• Фалеева В.А. Русское плетеное кружево, 1983

Сообщение Вологодское кружево появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.

Каслинское литьё — народный промысел и художественные изделия из чугуна, производящиеся на заводе архитектурно-художественного литья в городе Касли, близ Златоуста (Челябинская область).

Традиции каслинского литья (графическая чёткость силуэта, сочетание тщательно отделанных деталей и обобщённых плоскостей с энергичной игрой бликов, покрытие готовых изделий черной краской особого рецепта — голландская сажа) сложились в XIX веке.

Техническая безукоризненность отливок, а, следовательно, и художественная эстетическая выразительность чугунного литья объясняется тремя факторами:

• Высокими качествами чугуна способного выявить и передать все мельчайшие детали, своеобразие лепки скульптурного оригинала.
• Особым неповторимым природным качеством формовочных песков.
• Мастерство каслинских рабочих — подлинных художников, превративших тяжелый грубый чугун в тончайший, податливый, как воск материал пластики.

История каслинского литья началась в 1747 году, когда тульский купец Яков Коробков основал на Южном Урале Каслинский железоделательный и чугуноплавильный завод. В 1751 году завод перешел к известной династии Демидовых. Потом его приобрел купец Лев Расторгуев. А после смерти Расторгуева заводом стал управлять бывший крепостной Григорий Зотов, который и наладил производство художественного литья из чугуна. Он привлек к работе новых талантливых скульпторов, художников, чеканщиков и формовщиков. Так были приглашены в Касли выпускники Петербургской Академии художеств М. Д. Канаев и Н. Р. Бах, которые позже организовали художественную школу при заводе.

1860–1890 гг. — время расцвета каслинского чугунного художественного литья. В этот период Каслинский литейный завод получил Малую золотую медаль Вольно-экономического общества в 1860 году; завод участвовал в выставках в Санкт-Петербурге, Нижнем Новгороде, Париже, Лондоне и других городах мира.

Примечательна Всероссийская выставка в Нижнем Новгороде (1896), на которой каслинские мастера впервые представили свой товар в ажурном чугунном павильоне.

Особым историческим событием для Каслинского завода стала Парижская всемирная выставка прикладного искусства 1900 года, на которой мастера завода отлили огромный чугунный павильон-дворец в византийском стиле по проекту Е. Е. Баумгартена.

Центральным элементом павильона являлась скульптура Н. А. Лаверецкого «Россия», расположенная при входе и изображающая женщину-воина, оберегающую мир и готовую к новым победам. Павильон был признан шедевром литейного искусства и получил высшую награду — «Гран-При».

Чугунный дворец со всем содержимым намеревался купить президент Франции Эмиль Лубе. Предлагал два миллиона рублей. Сделки не вышло: среди экспонатов была скульптура «Россия». «Россия не продается» — таким был ответ.

Оригинал символа русской державы работы Николая Лаверецкого находится в Екатеринбургском музее изобразительных искусств, копия — в Екатерининском зале Кремля и в Южно-Уральском университете. А в селе Частоозерье Курганской области «Россия» стала памятником.

Павильон из чугуна в 1978 году признан ЮНЕСКО уникальным художественным памятником мирового значения. «Русское чудо» осталось единственным в мире архитектурным сооружением из чугуна, хранящимся в екатеринбургском музее.

Что почитать:

• Губкин О.П. Каслинский феникс. Екатеринбург, 2005.
• Ледзинский В.С., Теличко А.А. Мир художественного металла Москвы XVII-XX веков. Изд-во «Жираф», М., 2001.
• Малаева З.Г. Художественное литье из чугуна. КАСЛИ. «Интербук-бизнес» Москва, 2005.
• Павловский Б.Н. Каслинский чугунный павильон. Свердловск, 1979.
• Пешкова И.М. Искусство каслинских мастеров. Кн.1, 2. Челябинск, 1983.

Сообщение Каслинское литьё появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.

«Красно-алые бутоны
В изумрудах листьев тонут.
Незабудки и пионы
Обрамляют розы омут.
Есть на жостовском подносе
И букет, в ночи горящий,
Птица-жар, что весть приносит.
Есть поднос, плоды дарящий»

Жостовская роспись — это русский художественный промысел по росписи кованых металлических подносов, возникший в 1825 году в деревне Жостово Московской области.

В начале XIX века сразу в нескольких деревнях и селах Троицкой волости появились мастерские, где расписывали лакированные изделия из папье-маше. В это же время местные мастера из села Жостово, братья Вишняковы, стали расписывать еще и металлические подносы.

Сами подносы изначально ковали вручную. За почти 200 лет существования промысла мастера придумали около 150 разных форм таких изделий. В наши дни 32 из этих форм изготавливают на фабрике с помощью пресса, а остальные — по-прежнему вручную, с помощью ножниц по металлу и специальных молотков. Заготовку покрывают специальным грунтом и двумя слоями черной эмали, после чего начинают расписывать.

Легендарные цветочные композиции фабрики «Жостово» известны во всем мире: букеты из пламенеющих роз, благородных ирисов, пушистых астр и пышных пионов, а также скромных, но возвышенных анютиных глазок, застенчивых ромашек, фиалок и вьюнков завоевали поклонников на всех континентах. Каждый поднос становится уникальным авторским шедевром, существующим в единственном экземпляре.

Классическими цветами для фона подноса считаются черный и красный, но жостовские мастера работают и на синем, зеленом и голубом оттенках.

На фабрике «Жостово» работает крупнейший музей одноименных подносов, включающий знаменитые исторические образцы. Но мало кто знает, что произведения жостовских мастеров различных лет представлены также в Эрмитаже, в Русском Музее в Михайловском дворце, в музее-усадьбе Льва Толстого в Хамовниках. Целой коллекцией этих «картин на металле» владеет королева Елизавета II.

После революции в селе Жостово и соседних деревнях были организованы артели, в том числе Жостовская трудовая артель. Все они объединились в 1928 году в артель «Металлоподнос». В 1920–1930-х годах в жостовскую живопись пытались внедрить актуальные советские темы и сюжеты, однако художникам удалось отстоять традиции промысла, и в 1960-х начался новый этап в его истории. Расписные подносы получили статус уникального вида народного искусства, их начали представлять на международных выставках, все больше внимания стали уделять не только массовому производству, но и уникальным работам известных мастеров.

Сегодня Жостово расписывает не только подносы, но и предметы интерьера, посуду.

Что почитать:

• Богуславская И. Жостово: Декоративная живопись, 1994
• Коромыслов Б. Жостовская роспись, 1977
• Крестовская Н. Искусство Жостова, 2007

Сообщение Жостовская роспись появились сначала на Библиотека имени Н.А. Некрасова.